Ruth Asawas svävande skulpturer dansar runt på MoMA

På Museum of Modern Art i New York visas nu en omfattande retrospektiv av konstnären Ruth Asawa, där hundratals av hennes säregna trådverk svävar i utställningsrummen. Utställningen, som pågår fram till den 7 februari, representerar en historisk omvärdering av en tidigare förbisedd konstnär.

Ruth Asawa (1926-2013) skapade sina mest karaktäristiska verk av metall – koppar eller stål. Med oändligt tålamod böjde hon tråden för hand och formade tusentals små öglor som sammanfogades till elastiska, böljande nät. Dessa bildade svävande, ihåliga former som påminner om kokonger, kapslar eller puppor – organiska strukturer som vid första anblick kan misstas för naturens egna skapelser.

I museets stora salar hänger nu dessa skulpturer i stort antal. De ser viktlösa ut och rör sig ibland svagt för luftdrag. Det särpräglade med verken är deras genomsläpplighet – de består av struktur och tomrum i samverkan. Ofta innehåller en större form en mindre volym som hänger inuti, likt ett frö i sitt skal.

”Själv kallade hon de ihåliga volymerna för lober,” förklarar utställningens kurator. ”Ibland innehåller en stor lob en rad mindre lober som hänger i en vertikal kedja.” På avstånd framträder de som silhuetter, men på nära håll blir det minutiösa hantverket synligt – de ändlösa öglorna som sammanfogats till organiska kroppar.

Verken är fascinerande i sin dubbelnatur. De är skulpturer, men eftersom allt består av tunna enfärgade linjer fungerar de också som tredimensionella teckningar i rummet. När ljuset passerar genom de porösa formerna kastas skuggor på väggar och golv. Besökare blir aktiva deltagare i upplevelsen – när man rör sig i rummet förändras skuggspelet, som om de hängande strukturerna fått liv.

Asawas väg till konstnärskapet präglades av svåra erfarenheter. Hon föddes i en japansk-amerikansk jordbrukarfamilj i Kalifornien. Under andra världskriget tvångsförflyttades hon tillsammans med sin familj till ett interneringsläger – en traumatisk händelse som hon själv lyfte fram som avgörande för sitt konstnärliga uttryck. Det var i lägret hon först började skapa konst, med enkla material och sina händer som främsta verktyg.

Efter kriget studerade hon vid det progressiva Black Mountain College, där Josef och Anni Albers undervisade. Skolan förmedlade Bauhaus-skolans idéer om konst och hantverk. ”Josef Albers lärde inte ut en stil, utan uppmärksamhet,” berättar en konsthistoriker. ”Han föreslog små övningar, exakta iakttagelser, samma handling upprepade tills eleven verkligen behärskade den.”

Denna filosofi präglar Asawas arbete: man måste förstå ett material genom att arbeta med det, lyssna till dess egenskaper. ”Inte först tänka, sedan göra – utan göra för att tänka,” som en museiguide uttrycker det. Asawa pressade aldrig tråden till lydnad, utan samarbetade med den.

Hennes arbetssätt förde konsten närmare vardagen. Asawa själv förklarade att hennes metod påminde om hushållsarbete. Till skillnad från mycket modern skulptur, som bygger på kraft och monumentalitet – tänk Richard Serras tunga stålverk – kännetecknas Asawas konst av lätthet, samtidigt som den visar på uthållighet och omsorg.

Trots sin skicklighet hade Asawa svårt att passa in i efterkrigstidens amerikanska konstscen. Hennes intresse för hantverkstraditioner gjorde verken svårdefinierade för konstvärlden. De passade varken in i popkonstens eller minimalismens rörelser som dominerade under 1950- och 60-talen.

”Popkonsten speglar ett samhälle fyllt av massproducerade varor och snabba mediabilder. Asawas konst är motsatsen,” förklarar en konstvetare. ”Hon använder inga referenser från populärkulturen och inga starka färger. Hon uppmanar till långsamhet, koncentration och kroppslig närvaro.”

Hon delade minimalismens intresse för enkla material men inte dess estetik. ”Minimalismen döljer handen, Asawa visar upp den. Minimalismens objekt är ofta hårda och slutna, Asawas är öppna, mjuka, organiska och svävande som maskrosbollar.”

Utställningen visar tydligt hur Asawa suddade ut gränsen mellan hantverk och konst – en gräns som historiskt missgynnat kvinnliga och icke-västerländska konstnärer. Att MoMA, som länge varit modernismens högborg, nu ger Asawa denna stora retrospektiv visar på en betydande förändring i museets utställningspolitik.

Fram till relativt nyligen var kvinnliga konstnärer sällsynta på MoMA. Efter Georgia O’Keefes retrospektiv 1946 dröjde det till 1982 innan Louise Bourgeois fick en jämförbar utställning. Men de senaste åren har museet presenterat flera kvinnliga konstnärer: Marina Abramović, Cindy Sherman, Martha Rosler, Lygia Clark, Yoko Ono och Hilma af Klint, för att nämna några.

Asawas retrospektiv omfattar cirka fyrahundra verk från 1940-talet till tidigt 2000-tal – från tidiga trådarbeten till teckningar, keramik och dokumentation av offentliga verk. Hennes teckningar i bläck eller grafit visar samma rytmiska linjeföring som trådskulpturerna. De fungerar inte som förlagor utan som parallella undersökningar av hur form växer fram genom upprepning.

I utställningen visas även Asawas keramik – skålar och kärl med oregelbundna former och synliga spår av händerna som format dem. Dessa vardagsobjekt uttrycker tydligt hennes ifrågasättande av gränsen mellan konst och hantverk – en gränsöverskridning som idag värderas högt i konstvärlden.